RÉALISATION : BENOIT MARTIN, SOUS LA DIRECTION DE PATRICK SANDRIN
VINGT-SEPT FILMS DE MONTAGE, RÉALISÉS À PARTIR DES ARCHIVES DE PATRICK SANDRIN ET DES CLASSES LIBRES EN BULGARIE PRÉSENTÉS ICI EN VERSION COURTE
Textes : brochures des Classes Libres, 2005-2011
De 2005 à 2011, Patrick Sandrin a organisé en Bulgarie vingt Classes Libres. C'étaient des colloques ouverts à tous, où cinéastes, critiques et artistes parlaient de cinéma à partir d'extraits de films. Programmées avec Charles Tesson, elles ont reçu à Sofia, Plovdiv et Balchik, entre autres, Jean-Claude Carrière, Nicolas Philibert, Alain Bergala, Jean Douchet, Catherine Millet, Georges Didi-Huberman et Laurent Cantet.
Ce qu'étaient
les Classes Libres
PRÉSENTATION DES CLASSES LIBRES PAR PATRICK SANDRIN
LA CLASSE LIBRE
Créée, produite et dirigée par Patrick Sandrin.
Plus de 15 ans de pratique et de collaboration avec le cinéma bulgare, l'entrée de ce pays dans la Communauté européenne, mon engagement, ma volonté d'accompagner sa mutation vers l'ouverture et la pluralité m'ont amené à créer la CLASSE LIBRE. Forum d'idées, colloques, rencontres, débats, cet espace de réflexion que j'ai souhaité ludique et convivial a pour enjeu le cinéma, comme un art de voir, d'écouter, de montrer, dans la diversité de ses expressions, de ses pratiques et de ses genres. Je programme cinq CLASSES LIBRES par an avec le concours de nos conseillers. Pour chacune d'elles, nous développons un sujet thématique différent, où nous proposons une sélection de films à partir de laquelle s'articulent les exposés de nos intervenants et le débat avec le public. Nous y parlons d'esthétique, mais aussi d'éthique, de politique, d'histoire et de culture en général. LA CLASSE LIBRE est une proposition de rencontres avec des auteurs, des sujets, des films rares et des personnalités qui viennent en parler. Notre ambition est de provoquer débats et réflexions, de développer un regard critique, d'ouvrir de nouvelles perspectives, d'établir des liens avec d'autres disciplines et de susciter des vocations. Les CLASSES LIBRES sont des voyages à travers le monde, en cinéma ; ils nous font découvrir des cultures, des pratiques et des cinématographies peu ou pas diffusées en Bulgarie. Nous y exposons des œuvres et des auteurs majeurs.
LES INTERVENANTS
J'invite, avec la complicité de conseillers aux programmes – aujourd'hui Charles Tesson –, des personnalités et des professionnels du cinéma ou d'activités proches, reconnus pour leurs compétences et leurs expertises mais aussi pour la notoriété internationale de leurs travaux. Ils sont réalisateurs, artistes, producteurs, critiques ou journalistes, philosophes, essayistes, écrivains ou scénaristes, commissaires d'expositions, directeurs de festivals et de revues internationales, responsables des unités cinéma, fiction et documentaire de grandes chaînes de télévision ; ils dirigent des institutions (écoles d'art ou de cinéma, musées, cinémathèques, galeries multimédias d'art contemporain). Nos intervenants programment une sélection de films et d'extraits à partir de laquelle ils développent leur exposé. Leur complémentarité dans l'approche des sujets, la passion, l'érudition, le souci pédagogique de leur expertise sont les caractéristiques des CLASSES LIBRES. D'autres personnalités – anthropologues, universitaires, musiciens, artistes et plasticiens – accompagnent de leurs connaissances ou de leurs arts certaines CLASSES LIBRES, plus spécifiquement celles consacrées à des cinématographies de pays ou de continents.
LES SUJETS
L'esthétique, l'éthique, la politique, les métiers du cinéma, la diversité de ses formats et de ses expressions sont les sujets des CLASSES LIBRES. C'est sous la forme de grandes enquêtes thématiques que sont analysés les liens tissés par le cinéma avec les différentes disciplines qu'il croise, de la littérature aux sciences sociales et humaines, des arts plastiques à l'architecture, de la musique aux arts vivants, des techniques contemporaines comme le numérique aux effets spéciaux. Notre ambition est de parcourir la pluralité des pratiques au cinéma et de montrer l'étendue de son expérience pluridisciplinaire. Le regard critique du cinéma, l'engagement des cinéastes, leur façon de traiter du réel et de nous donner des nouvelles du monde ou leur vision du monde font partie des débats des CLASSES LIBRES, car si le cinéma est une expérience esthétique, un point de vue poétique et métaphysique sur le temps et l'espace, il est aussi une somme d'interrogations politiques et morales.
LES LIEUX
La CLASSE LIBRE n'est pas attachée à un lieu : elle se déplace en fonction des circonstances, de thèmes ou d'auditoires plus spécifiques, et crée des liens avec l'ensemble des institutions et des lieux alternatifs à Sofia : le Théâtre national, le Théâtre Sfumato, le Théâtre satirique, la NATFIZ, l'école de cinéma, des festivals, des centres culturels, la Cinémathèque de Sofia et différentes universités.
Avec Patrick Sandrin
Patrick Sandrin m'a confié cette commande, et j'ai réalisé ces films sous sa direction. Je n'étais pas en Bulgarie : les séances avaient été filmées par ses équipes, souvent en DV, parfois dans des formats plus récents. J'ai numérisé, écouté et monté ces heures d'archives, en allant chercher les extraits de films qui répondaient à ce que disaient les intervenants : un vrai travail d'archiviste. On en voit ici les versions courtes ; les versions longues sont conservées par Patrick Sandrin. Pour garder l'unité de l'ensemble, j'ai conservé l'habillage graphique et musical conçu à l'époque. La présentation générale et les deux films de Regards numériques sur l'art contemporain existaient dans une première version : j'ai repris la première en partie et refait entièrement les deux autres.
Ce travail a prolongé ce que Patrick m'a transmis : le goût d'un cinéma pensé par ceux qui le font, et de ses croisements avec les autres arts. Formé aux Beaux-Arts, producteur, cinéaste, photographe et entrepreneur, depuis longtemps proche du Fresnoy, il a défendu ces rencontres entre les disciplines avec une longueur d'avance. C'est à ses côtés que j'ai énormément appris, et c'est grâce à lui que j'ai rencontré Alain Fleischer, Daniel Dobbels, François Caillat, Pascal Kané ou Valeria Sarmiento.
Les Classes Libres
2005-2011
Les textes qui accompagnent chaque classe, éditos et présentations des intervenants, sont ceux des brochures remises au public lors des séances. Ils sont reproduits dans leur version d’époque, sans mise à jour.
2005-2006
Balchik et Sofia · classes 1 à 3
CLASSE LIBRE N° 1
Le cinéma à la rencontre des autres arts
Balchik, 24 et 25 septembre 2005, dans le cadre du festival de Balchik.
Avec Alain Jaubert, André S. Labarthe et Pascal Kané. Modération : Charles Tesson.
Édito de Patrick Sandrin
J'ai toujours essayé d'associer l'éthique à mes choix éditoriaux et à mon engagement de producteur. J'ai aimé défendre des visions, des univers d'auteurs atypiques, où souvent ce singulier venait d'ailleurs. Ainsi ce métier m'a conduit vers d'autres batailles, sur d'autres continents, afin de défendre la diversité culturelle en la montrant. Cela parfois se doublait d'un combat plus politique. Nos métiers sont riches et complexes, ils évoluent dans une constante mutation technologique, différentes disciplines s'y impliquent et s'y croisent de plus en plus dans une très large palette de pratiques. Les auteurs y expriment et communiquent leurs modes de pensée, de vie et leur connaissance.
J'ai donc imaginé de réunir plusieurs fois par an des cinéastes et divers acteurs professionnels des métiers du cinéma et de l'audiovisuel afin qu'ils viennent partager leur expérience, leurs regards sur le monde et leurs réflexions sur les sujets du jour.
Ce premier colloque réunit des cinéastes majeurs qui ont accompli leur vie professionnelle avec la production d'une œuvre, la leur, tout en rendant compte et en admirant celle des autres, peintres, danseurs et écrivains. Ce choix de personnalités guidé par Charles Tesson est fondé sur le respect et l'admiration que nous leur portons. Mais aussi sur leur complémentarité, la richesse de leur expérience et de leur culture, la polyvalence et la singularité de leur travail et sa résonance internationale. Ainsi cela m'autorise à penser qu'ils peuvent être les éclaireurs, les passeurs, les dynamiseurs, au service de créateurs et d'auditeurs bulgares en quête d'auteurs.
Édito de Charles Tesson
Le cinéma, de par ses origines foraines (le cirque et le burlesque), a été et est encore un puissant moyen d'expression populaire. Au fil de son histoire, de son évolution, grâce aussi au travail de la critique, il s'est affirmé et a été reconnu aussi comme un art à part entière, avec ses auteurs. Pour certains, le cinéma arrive après les autres arts et sa spécificité consiste à enregistrer ce qui est devant la caméra, aussi bien la réalité qu'une pièce de théâtre. Les Classes Libres, sur le thème « Le cinéma à la rencontre des autres arts », en s'appuyant sur les expériences de nos trois intervenants, Pascal Kané, Alain Jaubert et André S. Labarthe, à partir de leurs travaux en ce domaine, ont pour but de soulever plusieurs questions. Dans un premier temps, il s'agira de voir de quelle façon, pour quelles raisons, le cinéma, par le moyen du documentaire de création, va à la rencontre du cinéma (un cinéaste, une œuvre).
Comment le cinéma peut-il être un bon outil pour parler du cinéma, le faire aimer, aider à le comprendre et à le connaître ? Par rapport au rôle de la critique, et à sa tradition écrite, comment les moyens du cinéma peuvent-ils contribuer à enrichir notre regard sur le cinéma ainsi que la façon et le désir d'en faire ? Dans un second temps sera privilégiée la manière dont le cinéma peut restituer et montrer d'autres pratiques artistiques (musique, peinture, danse, etc.). Comment peut-il le faire, comment doit-il le faire ? Si un film peut citer le cinéma (montrer un extrait), qu'en est-il avec un tableau ou une œuvre musicale ? Il s'agira aussi de voir dans quel état d'esprit le cinéma rencontre les autres arts, et pour quel spectateur. Pour témoigner de leur existence (archiver), pour les faire connaître (le pouvoir de diffusion de la télévision, la visée pédagogique et culturelle, la nécessaire sensibilité à l'art), les faire aimer et les faire comprendre ?
Les films ayant tous plus ou moins une visée, selon la commande ou la demande (institutionnelle, scolaire, chaîne de télévision, musée), on verra comment cette pratique, celle du cinéma à la rencontre des autres arts, a une histoire, parallèle à celle du cinéma, et comment le cadre de sa réalisation et de sa production a évolué, de la salle de cinéma à la télévision, jusqu'au musée, aujourd'hui. Sans oublier le fait que le cinéma, lorsqu'il croise d'autres pratiques artistiques, est amené à réfléchir sur des moyens d'expression autres que les siens tout en s'interrogeant implicitement sur la façon dont le cinéma, avec ses propres moyens, peut les restituer. Autrement dit, il peut y avoir un enrichissement du cinéma par le cinéma, et un enrichissement du cinéma au contact d'autres expériences artistiques. Enrichissement sur le fond (l'altérité artistique) et surtout enrichissement sur soi dans la mesure où le cinéma, dès qu'il est amené à croiser d'autres formes d'arts, s'interroge en retour sur les siennes (ce que le cinéma peut ou ne peut pas, comparé aux autres arts).
Jean Renoir avait coutume de dire : « Si l'on veut se raconter soi-même, on ne raconte rien du tout. On ne se raconte bien soi-même qu'en racontant les autres. » Peut-on dire la même chose pour restituer ce qui est en jeu dans ce moment particulier, lorsque le cinéma part à la rencontre des autres arts ?
Classe Libre n° 2
L'exercice d'un métier, le monde du travail
Sofia, du 16 au 18 décembre 2005, à la Maison rouge.
Avec Claire Simon et Laurent Cantet. Modération : Charles Tesson.
Édito de Patrick Sandrin
Le cinéma donne des nouvelles du monde, il le filme et le montre. Depuis sa genèse il rend compte de la vie et plus généralement de celle des hommes, de leurs diversités et de leurs histoires, les grandes comme les plus intimes. Il m'a accompagné dans cette vie, celle des belles rencontres, des affinités électives, de mes premiers grands amours, il a fabriqué mes héros, mes ennemis les plus sûrs comme il a nourri ma conscience politique. Je lui rends aussi hommage d'avoir aiguisé, excité ma curiosité vers une perception plus sensible et plus large du monde, de m'avoir fait voyager avant mes grands voyages, d'avoir guidé mon regard vers la beauté pour la partager.
LE CINÉMA c'est l'histoire d'un travelling, un mouvement qui suit la vie à la bonne distance pour tenter de la rencontrer, la sentir, l'accompagner sans la violer. LE CINÉMA est multiple, il divertit, agite, endort, informe, découvre, ouvre et referme. Mais celui que l'on défend par-dessus tout tresse avec éthique sa vérité 24 fois par seconde.
Le travail, le métier, sont aujourd'hui au cœur des préoccupations économiques, politiques et sociales de ce monde, ils défendent la vie, la dignité, relient les gens au-delà des communautarismes religieux, ethniques ou tribaux, mais ils peuvent être la cause d'injustice ou d'insécurité. Le cinéma les filme et nous les montre à la manière de Rossellini, Godard, De Sica, Chaplin ou Pialat, ou comme Laurent Cantet et Claire Simon.
Douma, décembre 2005 : « Rencontres de cinéma Paris/Sofia à la Maison rouge »
Édito de Charles Tesson
Avec La Sortie des usines Lumière, la naissance du cinéma, en France, a eu pour particularité de ramener la réalité du cinéma (faire un film) au monde de l'entreprise dont il est issu. Et depuis, que s'est-il passé ? Au nom du divertissement, le monde du travail reste le parent pauvre du cinéma, souvent sous-représenté, au prétexte que le public ne se rend pas au cinéma pour retrouver ce qu'il vit à longueur de journée mais autre chose. Qu'en est-il vraiment ?
Jean-Luc Godard dit que, au cinéma, lorsqu'on nous informe qu'un personnage est par exemple pilote d'avion, on le voit piloter une minute sans que son métier soit ensuite au cœur de l'histoire racontée, car on s'empresse de passer à autre chose. Le monde du travail appartient pourtant à la réalité de chacun (avoir un emploi, le perdre, essayer d'en avoir un, gagner un salaire qui permette de subvenir à ses besoins, le monde de l'entreprise, les rapports entre un patron et les employés, etc.) tout comme l'exercice d'un métier, sur un plan éthique. Le cinéma, contrairement aux idées préconçues, de multiples manières (film de fiction, documentaire engagé, etc.), a souvent abordé ces questions sociales et politiques. Beaucoup plus qu'on ne le croit.
Avec Claire Simon (Coûte que coûte) et Laurent Cantet (Ressources humaines), nous évoquerons ces points à la lueur de leur expérience et de leurs films. Comment filmer le travail, dans toutes ses formes (le travail d'un ouvrier, d'un patron) ? Pourquoi montrer sa réalité, notamment dans le contexte d'aujourd'hui (l'Europe, la mondialisation) ?
Quelles histoires raconter au cinéma à partir de ce maillon essentiel de la vie de chacun : pratiquer un métier, travailler ? Il s'agira également, à la lueur d'exemples et d'extraits choisis par les intervenants, de regarder et de commenter la façon dont le cinéma, tout au long de son histoire (le néoréalisme italien par exemple, celui du Voleur de bicyclette), a évoqué cette réalité complexe et essentielle de l'être humain en société.
Classe Libre n° 3
Les visages de la ville, Paris vu par…
Sofia, du 4 au 10 décembre 2006, au Centre culturel euro-bulgare.
Avec Thierry Paquot, N.T. Binh et Charles Tesson.
Édito de Patrick Sandrin
Il nous a semblé évident d'inclure dans notre programme de colloques sur le cinéma un sujet sur le décor et en particulier la ville dans la vision et l'utilisation qu'en font les cinéastes. Réalisme, naturalisme ou cinéma de genre, le décor contribue toujours à la dramaturgie de l'histoire et du film, il indique un style et un univers. Les incessantes ruptures qui ont marqué les modernités dans l'histoire « du septième art » furent pour le décor et son utilisation l'un des enjeux prédominants.
Avec Paris, nous évoquerons la ville au cinéma, théâtre et coulisse de la grande histoire, comme des plus particulières. Si la ville s'expose dans son exotisme, ses mœurs et les différents phantasmes qu'elle produit, les cinéastes viennent y mettre en scène leur propre vision.
Thierry Paquot et N.T. Binh (alias Yann Tobin) font autorité. Ils viendront nous montrer et nous parler, sous l'érudite autorité de Charles Tesson, les films de ces grands cinéastes qui, dans leur diversité de styles et à des époques différentes, ont filmé Paris, « LA VILLE AU CINÉMA ».
Édito de Charles Tesson
Le cinéma est né dans les villes, où il a grandi, s'est développé, avant de devenir à son tour, à travers les salles de cinéma, un de ses pôles d'attraction. Cette symbiose naturelle entre ville et cinéma s'est exprimée de multiples façons, de sa capture à visage découvert par des films qui restituent la réalité du décor de la ville, en toile de fond (ses monuments, qui permettent le plus aisément de l'identifier), à sa reconstruction en studio, copie plus ou moins conforme ou volontairement déformée (l'expressionnisme allemand) de ses multiples aspects.
Très vite, le cinéma a dissocié la ville à voir (le théâtre de la rue, le plaisir de la visite, la déambulation et la marche) de la ville à vivre. Plus que la ville en tant que telle, dans sa matérialité littérale, le cinéma s'est attaché à capter le sentiment d'une ville, cette sensation particulière d'un vivre-ensemble, aux connexions multiples, qui varie selon les cinéastes.
Le Tokyo du cinéma d'Ozu a peu de choses à voir avec celui filmé par Oshima, même s'il s'agit pourtant de la même ville. Même chose pour Paris, New York… Comment le cinéma peut-il traduire la ville, l'exprimer ? Se limite-t-il à montrer le visage extérieur de la ville (ses rues) ou bien peut-il saisir une manière de vivre ensemble propre au tissu urbain ? D'autant que le cinéma ne se contente pas de restituer la ville à l'image de ce qu'elle est, il l'envisage à sa manière, allant jusqu'à imaginer les villes du futur (le cinéma de science-fiction), l'utopie plus ou moins heureuse d'une urbanité du futur (Metropolis de Fritz Lang).
En compagnie de Thierry Paquot, nous parlerons dans un premier temps de toutes ces questions générales concernant la ville au cinéma et, dans un second, avec N.T. Binh, nous examinerons plus particulièrement la façon dont le cinéma, des origines à nos jours, a regardé Paris.
2007
Sofia et Plovdiv · classes 4 à 7
Classe Libre n° 4
L'Europe à Hollywood
Avec N.T. Binh et Charles Tesson.
Ni film ni texte n'ont été conservés pour cette classe.
Classe Libre n° 5
Les nouveaux cinémas asiatiques
Sofia, du 21 au 24 juin 2007, au Centre culturel euro-bulgare.
Avec Jean-François Rauger, Charles Tesson, Andronika Martonova et Evelina Vatzeva.
Édito de Patrick Sandrin
Il existe plusieurs façons tout aussi intéressantes bien qu'extrêmement différentes d'aller à la rencontre et à la découverte de l'autre, d'un pays, d'un continent ou d'une culture. Prendre le chemin du voyage vers les grands centres intellectuels et artistiques, comme les peintres, écrivains et aventuriers du XVe jusqu'au XVIIIe-XIXe siècle, à la façon des grandes expéditions maritimes espagnoles et portugaises vers la conquête du nouveau continent, l'Amérique du Sud, emprunter la route de la soie pour découvrir les Indes et celles d'Orient à la manière de Bonaparte au siècle des Lumières.
Toutes ou presque ont eu pour motivation cette soif de l'autre et de connaissance. Le voyage dont je veux vous parler aujourd'hui, celui auquel je vous convie, c'est grâce au cinéma que nous allons le faire, à travers l'Asie, la Chine, le Japon, la Corée, Hong-Kong et Taïwan. Leurs particularités, leurs exotismes, leurs paysages et leurs cultures. Les cinéastes et leurs films sont des initiateurs modernes du voyage, des guides, spirituels mais aussi urbains. Bon voyage.
Édito de Charles Tesson
Pendant longtemps, le continent européen et les États-Unis ont concentré les forces vives du cinéma mondial. Même si le cinéma est né très tôt et s'est développé de manière conséquente dans des pays comme l'Inde, la Chine et le Japon, il a fallu attendre le début des années 50, grâce aux festivals de Venise, Cannes et Berlin, pour qu'une ouverture se fasse, surtout en direction du Japon (Kurosawa, Mizoguchi).
La découverte du nouveau cinéma asiatique au début des années 80 est un phénomène d'une tout autre ampleur. On découvre en même temps une nouvelle génération de cinéastes, à Hong-Kong et en Chine, ainsi que la mémoire de leur cinéma, jusqu'ici ignorée, comme le cinéma de Shanghai des années 30, le cinéma chinois des années 50, les films de sabre de Hong-Kong des années 60. Des auteurs émergent, comme Hou Hsiao-hsien à Taïwan, tandis que le Japon, au-delà de sa Nouvelle Vague, mûrie dans les années 60, fait revenir avec Kitano un cinéma de genre jusqu'ici minoré (yakuzas, films de sabre, films de fantômes).
C'est une des caractéristiques du nouveau cinéma asiatique que de circuler librement entre film d'auteur et cinéma de genre quand, ailleurs, en Europe, cette opposition aboutit désormais à une sclérose des formes. La découverte récente du cinéma coréen, au milieu des années 90, est là pour le confirmer, dans le sillage du cinéma de Hong-Kong. Le nouveau cinéma asiatique, en quelques années, est devenu un pôle essentiel, au point de venir bousculer l'équilibre du cinéma mondial.
Si le cinéma mondial (Hollywood, l'Europe) a vécu jusqu'ici dans l'ignorance relative du cinéma asiatique, il lui est aujourd'hui impossible de le faire, puisque son regard est désormais tourné vers ce qui se fait en Asie, que ce soit autour de Wong Kar-wai ou en passant par Martin Scorsese s'inspirant pour Les Infiltrés d'Infernal Affairs, du Hongkongais Andrew Lau, signe parmi d'autres de l'influence du cinéma asiatique sur le nouveau cinéma d'action américain.
Classe Libre n° 6
Le décor au cinéma
Sofia, 29 et 30 septembre 2007, au Théâtre national Ivan Vazov.
Avec Jean-Pierre Berthomé, Didier Naert, Charles Tesson et Elena Ivanova.
Édito de Patrick Sandrin
Le décor implique des relations avec l'esthétique, le récit, l'histoire, l'époque, les réalisateurs, mais aussi avec l'économie et les moyens. Ceux-ci infléchissent souvent un style. Pour en parler, nous avons invité des spécialistes, mais aussi des hommes et femmes de l'art. Peu de métiers du cinéma impliquent des personnalités aux talents aussi polyvalents et divers.
Sculpteurs, peintres, architectes, scénographes, ces artistes et artisans ont le plus souvent une science aiguisée de l'homme et du travail, tout comme un respect admirable pour la matière. Je remercie Elena Ivanova et Didier Naert d'avoir accepté de nous livrer leur art et leur expérience, Jean-Pierre Berthomé et Charles Tesson de nous faire partager érudition et passion, et le Théâtre national de nous avoir ouvert ses portes.
Édito de Charles Tesson
Le décorateur de cinéma donne une forme visible aux rêves des cinéastes. Partant d'un scénario fait de mots, il lui faut les transformer en images en installant l'action dans des décors qui respectent l'esprit de l'histoire (comédie, drame, merveilleux, chronique historique) en même temps qu'ils satisfont aux exigences de la mise en scène. Une fois la proposition du décorateur discutée, budgétisée et approuvée par le réalisateur et par la production, il faudra construire ces décors – ou les adapter quand on les emprunte à la réalité – et le décorateur devient architecte, puis responsable d'une équipe nombreuse où les talents les plus divers se mêlent, depuis les métiers traditionnels de la construction jusqu'aux créateurs d'images numériques qui ont pris le relais des réalisateurs de trucages traditionnels.
Nous évoquerons le décor de cinéma à la fois dans ses dimensions historiques et esthétiques (le décor comme création, son histoire et ses capacités d'expression propres) et dans ses aspects techniques (le décor comme métier(s) et comme savoir-faire). De nombreux exemples empruntés à toute l'histoire du cinéma aussi bien qu'à l'expérience personnelle d'un grand décorateur mettront au jour ce paradoxe qui permet au décor de préserver son identité créative alors même qu'il met celle-ci au service d'une création par essence collective.
Classe Libre n° 7
ARTE, une chaîne pas comme les autres
Plovdiv, 1er novembre 2007, à l'hôtel Novotel.
Avec Serge Lalou, Mosco Boucault, André de Margerie, François Sauvagnargues, Macha Séry, Nevena Pramatarova, Françoise Landesque, Antony Todorov et Javor Gardev.
Édito de Patrick Sandrin
La Classe Libre déroge un peu à son cycle consacré au cinéma pour investir l'audiovisuel avec ARTE, une chaîne de télévision pas comme les autres. Si le cinéma nous permet d'avoir des lectures différentes du monde, la télévision est aujourd'hui le moyen le plus rapide de l'investir. Incontournable objet, elle est devenue notre lien le plus intime avec ce dehors multiple, créant habitudes et dépendances. Cette grande messe moderne a ses rendez-vous quotidiens dans une liturgie identique d'un monde à l'autre, d'une chaîne à l'autre.
Si aujourd'hui la plupart de ces chaînes réduisent la réflexion à la formule, la pensée à la communication, la culture à la réclame, la télévision, selon Roberto Rossellini, devait être un formidable outil de diffusion de la connaissance, d'échanges des cultures, et de gage de développement pour nos sociétés. Dans nos démocraties, le service public est encore un devoir mais surtout une vertu. ARTE, chaîne singulière, est née d'une volonté politique et d'une vision de l'Europe.
La culture n'est pas un ghetto hors du monde, c'est une force vive qui se partage aux visages et aux formes multiples. ARTE donne la parole à ce monde des diversités, expose la création sous toutes ses formes et débat sur nos sociétés. Nous commenterons ses programmes, sa démarche éditoriale et ce qui fait sa différence. Afin de mieux en parler, j'ai choisi nos intervenants pour leur compétence et leur expertise dans une complémentarité qui permettra de regarder et d'investir la chaîne sous différents aspects. Merci à ces personnalités d'être venues nous présenter leur travail, leur réflexion, et merci à vous de venir participer à ce débat pour une Europe des cultures.
Presse bulgare, novembre 2007 : « ARTE, l'espace culturel européen »
Les intervenants EN 2007
Serge Lalou a rejoint Les Films d'Ici en 1987. Il a produit plus de 200 films, dont les films de Nicolas Philibert, d'Arnaud des Pallières, d'Alain Cavalier et de Manoel de Oliveira… Serge Lalou est aussi réalisateur de deux courts métrages, de deux films documentaires, dont Les Carnets de Claire, et d'un long métrage, Entre nous. Les Films d'Ici, spécialisés dans la production de films documentaires haut de gamme, ont produit plus de 450 films depuis 1984, dont un grand nombre ont été coproduits internationalement et récompensés dans de nombreux festivals.
Mosco Boucault Né à Sofia. Diplômé de l'Institut des hautes études cinématographiques à Paris (aujourd'hui la Fémis), Mosco Boucault a notamment réalisé des films documentaires sur la Résistance et une série de films policiers documentaires, coproduits et diffusés par ARTE. Il a également réalisé trois films sur le Parti communiste français, produits par Les Films d'Ici en partenariat avec ARTE.
André de Margerie Après des études d'économie (DEA, Paris 1) et d'urbanisme (licence, Paris 8), André de Margerie a débuté au ministère de l'Environnement. Chargé de mission à la présidence de Radio France, puis responsable du mécénat pour Havas, il est entré à ARTE en 1991, où il occupe aujourd'hui le poste de directeur des relations internationales.
François Sauvagnargues commença sa carrière à la Société française de production, où il collabora au service des documentaires, puis au service des affaires internationales. À partir de 1984, il rejoignit France Media International, puis, en 1992, il intégra La Sept ARTE dans l'unité de programmes Fiction, qu'il dirige depuis 2003.
Macha Séry est journaliste au Monde depuis 1995. Spécialiste des médias (production et programmes audiovisuels), elle est membre du jury télévision du Syndicat français de la critique de cinéma et des films de télévision (SFCC). Auteur d'un essai littéraire, Des amis en toute saison : d'Apollinaire à Camus (1996), et d'un roman, Les Cendres du soupçon, paru en 2007.
Nevena Pramatarova Journaliste, Nevena Pramatarova travaille depuis sept ans au sein du programme Christo Botev de la Radio nationale bulgare. Elle anime le magazine d'art et de culture Art Efir du seul média électronique spécialisé dans la culture et l'éducation en Bulgarie.
Françoise Landesque Attachée de presse indépendante pour le cinéma, Françoise Landesque rejoint l'équipe d'ARTE en 1992, à la création de la chaîne, comme attachée de presse des Thema, puis adjointe de la directrice de la communication.
Antony Todorov Docteur en histoire contemporaine, Antony Todorov est professeur de science politique à la Nouvelle Université bulgare depuis 1991, où il exerce également les fonctions de vice-recteur aux relations internationales. Il est l'auteur de plusieurs ouvrages.
Javor Gardev Metteur en scène bulgare formé à l'Académie de théâtre et de cinéma de Sofia, Javor Gardev a plus d'une quinzaine de mises en scène à son actif. L'été dernier, il a réalisé son premier film. Il est un des cofondateurs du groupe artistique Triumviratus.
2008
Sofia et Plovdiv · classes 8 à 13
Classe Libre n° 8
Théâtre et cinéma
Sofia, 8 et 9 mars 2008, au Théâtre national Ivan Vazov.
Avec Bernard Sobel, Jean Douchet et Javor Gardev. Modération : Charles Tesson. Présidente d'honneur : Emmanuella Chkodreva.
Édito de Patrick Sandrin
« Théâtre : le frère aîné du cinéma ou son meilleur ennemi ? »
Charles Tesson, extrait de Théâtre et cinéma (2007)
2008 est la troisième année d'existence de la CLASSE LIBRE. Nous la commençons par un colloque sur un sujet ambitieux qui intéresse indifféremment les gens qui aiment le théâtre ou le cinéma.
De très grands metteurs en scène ont pratiqué ces deux disciplines et aujourd'hui certains continuent à les expérimenter. Le cinéma et le théâtre ont toujours eu des relations passionnantes et les influences de l'un vers l'autre sont nombreuses, comme leurs différences malgré certaines apparences. Esthétique, technique, complémentarité, histoire : les ponts sont nombreux, l'un emprunte à l'autre, le courtise, l'imite ou le congédie, l'autre investit la scène théâtrale pour en marquer une modernité.
Presque toutes les disciplines s'y croisent, beaucoup d'acteurs et d'auteurs passent de l'un à l'autre. Il était donc intéressant pour LA CLASSE LIBRE d'investir ce chantier qui est et reste d'une grande actualité. Pour animer ce colloque, quatre personnalités dont le niveau de compétence et la notoriété ont obtenu une reconnaissance internationale. Charles TESSON, auteur d'un ouvrage de référence sur la question, sera le modérateur de nos journées.
Presse bulgare, mars 2008 : « L'école du dimanche »
Édito de Charles Tesson
Dès que le cinéma, à peine inventé, a entrevu la possibilité de raconter des histoires, de les mettre en scène, il s'est tourné vers le théâtre, pour sa dramaturgie (unité de lieu, de temps et d'action), sa conception du décor (la scène et le plan) et surtout du jeu (l'acteur, le comédien et le personnage). Parmi toutes les influences, celles de la littérature (le roman), de la peinture et de la musique (le rythme du montage, le film comme architecture dans le temps), celle du théâtre, omniprésente au début du muet et au début du parlant, est sans doute la plus persistante.
La plus complexe, voire la plus enrichissante, pour ce qui est de comprendre la nature du cinéma. Car au-delà d'un modèle dramatique, avec sa scénographie particulière, le théâtre, par sa nature et ses interrogations sur lui-même (le jeu, l'illusion, la réalité et ses faux-semblants), ouvre le champ à une réflexion (la vie comme passage sur la scène de l'existence) qui a permis au cinéma de définir ce qu'il en est tout en pensant ses limites. S'aventurer dans les relations entre théâtre et cinéma, sans oublier la façon dont le cinéma, en retour, a pu influencer le théâtre, permettra d'entrevoir combien le cinéma doit au théâtre et comment il a pu prendre la mesure de sa singularité à la lueur de ce dialogue permanent, sans cesse renouvelé, d'hier à aujourd'hui.
La réflexion du critique et théoricien André Bazin, affirmant que « plus le cinéma se proposera d'être fidèle au texte et à ses exigences théâtrales, plus nécessairement il devra approfondir son propre langage », nous servira de guide. Quant aux relations entre théâtre et cinéma, sans se limiter à l'adaptation d'une pièce de théâtre à l'écran, elles seront évoquées à travers l'œuvre de Charles Chaplin, David W. Griffith, Ernst Lubitsch, Joseph Mankiewicz, Carl Th. Dreyer, F. W. Murnau, Marcel Pagnol, Sacha Guitry, Jean Renoir, Manoel de Oliveira, Jacques Rivette, Alain Resnais, Luis Buñuel, Roman Polanski, Arnaud Desplechin, etc.
Classe Libre n° 9
La métamorphose au cinéma
Sofia, 19 et 20 avril 2008, à l'Académie nationale de théâtre et de cinéma (NATFIZ).
Avec Dominique Païni, Catherine Millet et Jacques Henric. Président d'honneur : Stanislav Semerdjiev.
Édito de Dominique Païni
Le mot métamorphose, d'origine grecque (metamorphosis), désigne le changement de forme, de nature, de structure, si considérable que l'être – dieu ou humain – ou la chose ne sont plus reconnaissables. La métamorphose exprime en fait le triomphe du temps et de la variation sur la permanence de la forme matérielle perçue. C'est un des aspects les plus notables de la manifestation du surnaturel. La métamorphose tient une place éminente dans l'imaginaire et se retrouve dans les religions à des degrés divers, dans les mythes, les légendes et les contes de toutes les civilisations.
Après la littérature, d'Ovide et Apulée à Kafka, et la peinture, de Nicolas Poussin à Francis Bacon, le cinéma devait s'emparer nécessairement de ce prétexte dramatique qui est tout autant un motif visuel.
La métamorphose est un phénomène consubstantiel de l'art et de la technique cinématographiques : l'enchaînement des photogrammes, le montage des plans et des séquences, les effets spéciaux font du cinéma l'art de la métamorphose par excellence. Plus encore que la littérature, qui suggère et évoque la puissance potentielle d'une transformation, et la peinture, qui ne fixe qu'un état hybride et transitoire d'un devenir, le cinéma figure le processus des métamorphoses, car le matériau du cinéma est le temps. Sans doute est-ce même, lors de son invention, sa vocation initiale : enregistrer et restituer le spectacle du mouvement de la matière et l'évolution des formes qui l'incarnent.
Les cinéastes spécialistes du genre fantastique, de Jacques Tourneur à David Cronenberg, les grands conteurs, d'Alfred Hitchcock à Steven Spielberg, les avant-gardistes, de Jean Epstein à Chantal Akerman, les cinéastes d'animation, de Peter Foldès à Walt Disney, les grands maîtres du muet, de James Whale à Friedrich W. Murnau, et enfin l'imagerie des clips de pop-musique ont exploité les terreurs et les émerveillements de la métamorphose des corps et des choses.
Au cinéma, le visage, siège de l'âme selon les précoces philosophes antiques et surface cruciale de la production de l'expression, a donné lieu à toutes les facéties et à toutes les mélancolies.
Magazine bulgare, avril 2008 : « Dominique Païni : nous imaginions la Bulgarie comme un paradis communiste »
Classe Libre n° 10
Impressions d'Afrique
Sofia, 31 mai et 1er juin 2008, au théâtre Sfumato.
Avec Catherine Ruelle, Samba Félix N'Diaye, Brice Ahounou et Cheick Tidiane Dia. Modération : Charles Tesson. Président d'honneur : Guinio Ganev.
Édito de Patrick Sandrin
IMPRESSIONS D'AFRIQUE, ce titre exprime la déférence que nous devons à ce continent et à ses cultures multiples ; il donne la mesure des limites de ce que nous pouvons voir et surtout comprendre, en ayant soin de ne pas réduire l'inconnu au connu. Le cinéma africain, sans doute le plus récent ou l'un des plus récents, est dans sa majorité l'expression d'une fracture entre les cultures traditionnelles et la modernité ; le reste ne se filme-t-il pas, ou peu ? Cette question détient les clefs concernant nos différences de codes, de représentation, de langage et de transmission. Nous avons donc souhaité croiser nos regards, celui d'une Afrique filmée et regardée par l'autre, cinéaste occidental, et celui des Africains. La grande richesse de ces cultures et de leurs mythologies, des organisations sociales à l'esthétique, est un héritage dont les grands intellectuels et artistes occidentaux ont su témoigner en s'en imprégnant, recyclant pour leur art, leur travail et leur compréhension du monde ce qui gît à chaque instant, à chaque endroit, dans cette Afrique fantôme.
Je veux parler de toute l'activité et de l'effervescence de ce que l'on a appelé la modernité : des penseurs à la dimension universelle, de Claude Lévi-Strauss, qui en reste le dernier grand témoin, à Michel Leiris, Marcel Mauss, Raymond Roussel et bien d'autres, mais aussi Picasso, Wifredo Lam, Merce Cunningham, Lucinda Childs, Carolyn Carlson, John Cage, Basquiat, Marcel Duchamp. Il me faudrait quelques pages pour y exposer la liste des redevables, des recycleurs, des éclaireurs passeurs de ce continent noir et lumineux.
Il nous faudrait aussi plusieurs jours pour approcher cette poésie africaine dans sa réalité romanesque et sociale. Pour en parler, lui rendre hommage, j'ai demandé à quelques amis de venir du Mali, de Dakar et de Paris afin de partager un peu de leur goût, de leur passion et de leur connaissance. Les plus grands auteurs voyageurs (artistes et écrivains) ont su mêler géographie et domaines intérieurs. Nous essayerons d'emprunter leurs pas, sinon leur méthode ; la kora de Cheick Tidiane Dia et ses mélopées maliennes nous y aideront.
Édito de Charles Tesson
Parmi les multiples domaines abordés au fil des « Classes Libres », l'un est réservé à la découverte de cinématographies, de continents de cinéma, singuliers et originaux. Soit par leur capacité à formuler de nouvelles hypothèses de cinéma en s'appuyant sur leur propre culture (voir le nouveau cinéma asiatique), soit, en se tenant à l'écart de l'industrie du cinéma mondial, en proposant une autre manière de raconter des histoires, avec un autre rapport au temps et à l'espace.
S'aventurer au cœur du cinéma africain (la Classe Libre évoquera seulement le cinéma d'Afrique noire) permettra aussi d'entrevoir l'histoire de ce continent, histoire politique, de la décolonisation aux indépendances, histoire religieuse (chrétiens, musulmans, animistes), et histoire culturelle aussi. Sans oublier comment le cinéma, à travers son questionnement premier, entre regard d'autrui sur l'Afrique (les films ethnographiques) et affirmation de soi, a été le vecteur d'une quête d'identité, d'une réappropriation de son histoire.
Au travers du prisme des films qui ont fait ce cinéma, d'Ousmane Sembène à Abderrahmane Sissako, en passant par Souleymane Cissé, Idrissa Ouédraogo et Gaston Kaboré, seront abordés les thèmes majeurs, récurrents. Impossible en effet de parler du cinéma africain sans aborder la réalité sociale et politique, sans remonter aux racines d'une culture (l'animisme, le sacré, le masque, la danse, la musique, la tradition orale des conteurs, les griots, etc.), tant le cinéma africain a toujours été traversé par ces différentes perspectives, entre tradition et modernité.
Classe Libre n° 11
Produire
Plovdiv, 23 septembre 2008, à l'hôtel Novotel, dans le cadre du festival Golden Chest.
Avec Michel Reilhac, Luc Engelibert, Pierre-Alain Meier, Yves Marmion, Patrick Sandrin et Rossitza Valkanova. Modération : N.T. Binh. Présidente d'honneur : Sevda Shishmanova.
Édito de Patrick Sandrin
PRODUIRE, UTOPIE OU NÉCESSITÉ,
LES TALENTS QUITTENT LE TEMPLE.
Producteur, j'ai toujours essayé d'associer l'éthique de mes engagements à l'utopie de mes choix éditoriaux. J'ai aimé défendre des visions, des convictions, découvrir des pays et des univers d'auteurs atypiques, souvent ce singulier m'entraînait ailleurs. Ainsi ce métier m'a conduit vers d'autres pays que le mien, vers d'autres continents, d'autres cultures, et cela se doublait parfois d'un combat plus politique. Alors, qu'est-ce que produire ? Savoir voyager, un métier, une occupation économique, un fantasme, une passion, un goût éclairé pour la connaissance, une mission ?
Aujourd'hui, le cinéma est au croisement d'une réflexion qui s'opère à partir des modes de diffusion et de distribution des films. Le cinéma indépendant, les salles et circuits indépendants ont résisté avant de sombrer, laissant la place aux groupes et à leurs logiques industrielles. De façon paradoxale, les moyens de diffusion n'ont cessé de se multiplier, bouleversant la donne. Grandeur et décadence d'un art et d'une industrie qui ne peut se passer de la vente d'accessoires, glaces, boissons, pop-corn et autres confiseries, ou, mieux, qui sert d'alibi à la vente massive de produits dérivés.
La volonté politique de l'État en matière de culture, et notamment en faveur du cinéma, est aujourd'hui l'une des seules défenses contre l'effondrement de cet art populaire dans ses expressions singulières qui ont fait sa grandeur, afin d'en retarder ou d'en accompagner la mutation, concomitante du passage de ses artistes et créateurs vers un ailleurs et d'autres formes d'expression. Le cinéma suit le fonctionnement des sociétés dans lesquelles il s'exerce, il ne s'en extrait pas. Le réalisme économique du business est devenu l'épouvantail des Don Quichotte ou d'Hamlet ; cet art du réalisme économique recèle de l'acculturation et du cynisme. Le cinéma restera consubstantiel de crise ou de mélancolie, il annonce sa mort saison après saison, mais toujours avec ce même souci d'être le témoin de son temps.
Les grands cinéastes d'Asie, d'Italie, de France, de Russie, des Amériques et d'ailleurs étaient les gardiens du temple et de sa mémoire ; je ne vois pas de projet de société sans grandes utopies, le cinéma en portait une. Les artistes ont cédé les clefs aux professionnels, les metteurs en scène aux réalisateurs, l'ambition du cinéma à la morosité de l'audimat, les prophètes aux administrateurs, les seigneurs et les aristocrates aux businessmen. Pour cette CLASSE LIBRE, j'ai imaginé réunir différents acteurs : ils sont producteurs de cinéma, complémentaires et différents dans leurs approches professionnelles ; ils viennent partager leurs expériences, leurs regards sur le monde et leurs réflexions sur le sujet.
Classe Libre n° 12
Cinéma, expressions brèves et films courts
Sofia, 1er et 2 novembre 2008, à l'Académie nationale de théâtre et de cinéma (NATFIZ).
Avec Nicole Brenez, Jacques Kermabon et Thierry Knauff. Modération : Charles Tesson. Invitée d'honneur : Martichka Bojilova.
Édito de Patrick Sandrin
URGENCE, INTENSITÉ, VITESSE, RISQUE, INVENTION, voilà quelques-unes des vertus qui pourraient caractériser les films courts et d'expression brève. Loin d'être une antichambre de cinéma, ils relèvent de formes artistiques singulières, « libertaires » et libérées des contraintes du long métrage, en termes d'esthétique, de production mais aussi de diffusion et de monstration. Nos CLASSES LIBRES ont aussi la mission d'appréhender le cinéma selon ses formes différentes, de comparer les écritures et les styles, de confronter les œuvres, d'ouvrir des perspectives.
Le film court est ce terrain d'expérimentation qui peut s'exposer comme un art plastique du fait de sa durée condensée. Aujourd'hui, la matière filmique se projette à travers des supports diversifiés dans la démarche de cinéastes-artistes, de vidéastes-artistes, d'artistes tout court. Le mariage, pour cette CLASSE LIBRE, des films courts dits courts métrages et d'un panorama le plus large possible, afin de découvrir les différentes pratiques et la large richesse d'expression qu'offre cette catégorie de travail filmique, véritable genre en soi. Nos intervenants parleront aussi de diffusion et des lieux d'exposition concernant ces films, des manifestations et festivals qui permettent de les découvrir, des revues et des supports essentiels à l'information de ces nouvelles pratiques artistiques.
Édito de Charles Tesson
Le cinéma est né court (les premières bandes des opérateurs Lumière, les films de Méliès), mais il ne l'est pas resté. Grâce aux nombreux talents du burlesque (Chaplin, Keaton), on continue de savoir que le film court, d'une ou deux bobines, a été pendant longtemps une réalité ordinaire qui a contribué à la richesse du cinéma américain, même si l'imposante production ne s'est pas limitée à ce seul domaine (voir par exemple la filmographie d'Allan Dwan).
Pourquoi le long métrage est-il devenu la règle ? À cause peut-être, en partie, de la construction des salles de cinéma en dur, cette nouvelle architecture calquée sur le théâtre et les lieux de spectacle imposant naturellement une nouvelle durée. Si le parlant a accéléré ce basculement, reste que l'expression brève est toujours restée au cœur du cinéma, même si elle a été reléguée dans les marges par l'industrie, révélant pourtant à l'art du film des possibilités inconcevables sans elle.
Le fil conducteur de cette CLASSE LIBRE autour du film court peut se résumer à ceci : pourquoi et comment le fait d'avoir moins de temps (la durée d'un film) permet-il au cinéma d'arpenter de nouveaux espaces ? Espace narratif, formulé autrement, et espace visuel, recomposé et décomposé par cette nouvelle durée. Sans oublier que le temps donne le ton, plus fulgurant, plus incisif, plus radical, plus… et non l'inverse, le film court et sa collection de moins (moins de temps, moins d'argent, moins d'espace de diffusion). En quoi l'expression brève est-elle au cinéma le lieu d'une liberté reconquise ? Il s'agit non seulement d'y croire mais aussi, grâce à cette CLASSE LIBRE, de le voir.
Classe Libre n° 13
Le documentaire fait son cinéma
Sofia, 29 et 30 novembre 2008, au cinéma Odéon.
Avec Nicolas Philibert, François Caillat et François Niney. Modération : Charles Tesson. Invité d'honneur : Andrey Paounov.
Édito de Patrick Sandrin
Cinéphile, puis producteur et réalisateur, je me suis toujours attaché à la forme documentaire au cinéma, parce qu'elle me semblait être un terrain d'expérimentation important s'accordant à la singularité des expressions et des désirs les plus essentiels des cinéastes créateurs, donc à la découverte de films et d'auteurs majeurs. La diversité des formats, des styles et des films que nous allons présenter montrera ce qui est de l'ordre de l'essai et du cinéma documentaire. Libérés des contraintes liées aux conventions des films classiques du genre, et à la lourdeur technique des fictions, ces films sont productifs d'œuvres inclassables.
Le cinéma est né pour enregistrer ou capter de la réalité dite documentaire. Mais le choix du sujet à filmer, son cadrage et sa durée sont déjà des propositions singulières, car filmer, c'est révéler une partie d'existence contre d'autres possibles, et l'éthique de ce mouvement, ce regard de décideur ou d'auteur, anticipe la mise en scène. C'est ce désir singulier qui s'accorde ou se substitue au réel qui rapproche le cinéma du geste pictural des peintres à l'aube de leurs réflexions sur le paysage. La figuration documentaire, son naturalisme et sa simple reproduction ne sont qu'un leurre ; les peintres ou les auteurs en transgressent l'usage pour une valeur d'échange. Les enjeux sont éthiques, politiques et esthétiques.
Pourquoi se priver d'établir des liens entre le cinéma, d'autres Arts et d'autres disciplines, pourquoi priver le cinéma des libertés utilisées par les peintres et plasticiens, la musique, ou la littérature ? Cette CLASSE LIBRE va explorer la liberté formelle du genre, la recherche et les richesses esthétiques qui se glissent sous cette appellation. Mais aussi les questions qui se posent aux cinéastes, du geste qui cadre, capte ou restitue une partie du monde, à l'expérience du temps et de la narration. Ces choix et leurs diversités sont les enjeux récurrents des CLASSES LIBRES.
Édito de Charles Tesson
Lorsque les spectateurs ont vu, projetées sur un écran, les premières images du cinéma, ils ne se sont pas posé la question de savoir s'il s'agissait d'un documentaire ou d'une fiction. Les catégories sont venues plus tard même si, au lieu de marquer une coupure nette, elles soulignent la fragilité et la porosité de cette frontière, sans cesse réinterrogée. Les premiers spectateurs ont eu peur de l'impression de réalité du cinéma (le train qui fonce sur eux dans L'Arrivée d'un train en gare de La Ciotat) avant d'intégrer cela très vite. Ils ont été fascinés par la sensation de vie restituée (le vent, l'air, le mouvement des corps, l'écoulement du temps) et par son contraire aussi : les corps présents et absents, spectres hyperréalistes. Parce que le cinéma est art de l'enregistrement, il garde forcément la trace de ce qu'il a saisi, l'image étant l'empreinte, le moulage de la réalité, comme le disait André Bazin.
Si on peut parler aujourd'hui d'une tradition du documentaire au sein du cinéma (ses auteurs, ses courants, ses écoles, du film d'explorateur au cinéma-vérité en passant par le film ethnographique), reste que le documentaire, parce qu'il est archive, garde une trace, une inscription vraie tout en laissant le champ à son revers : la fabrique de faux, le mensonge, la manipulation par le discours et le montage, le forçage de la réalité, le cinéma de propagande, etc.
Le documentaire permet de réinterroger les évidences oubliées. Il y a le filmeur (l'homme à la caméra) et ce qui est filmé. De quoi est faite la nature de leur relation ? Dans quelle mesure toute personne, sitôt filmée, ne commence-t-elle pas à devenir acteur et à construire son propre personnage ? Essayer de comprendre le documentaire revient à vouloir comprendre la vraie nature du cinéma et approcher de ce qui le fonde dans sa singularité.
2009-2010
Sofia · classes 14 à 18
Classe Libre n° 14
« Sunny Side of the Doc » à Sofia, rencontre avec le documentaire bulgare
Sofia, 14 mars 2009, au Club militaire, dans le cadre du Sofia Film Fest.
Avec Yves Jeanneau, Stefan Kitanov, Sevda Shishmanova, Andrey Paounov et Martichka Bojilova. Animation : Patrick Sandrin et Nevena Pramatarova.
Pas de film pour cette classe. Édito traduit de la brochure anglaise de la séance.
Édito de Patrick Sandrin
La CLASSE LIBRE a pour but d'ouvrir la porte à la diversité, d'encourager les vocations et l'originalité. On vient à ses éditions pour partager une passion professionnelle, voir des films, trouver de nouvelles sources de connaissance, entendre et voir réunis les idées, les genres, les styles et les pratiques qui font la diversité du cinéma. Il y est question d'esthétique, mais aussi de regard critique, de politique et d'éthique.
Jusqu'ici, à Sofia, nous avons surtout montré le cinéma tourné « ailleurs », un « ailleurs » au sens le plus large. Cette quatorzième édition de la CLASSE LIBRE veut au contraire montrer le cinéma documentaire bulgare et sa « nouvelle vague », grâce aux participants de SUNNY SIDE à Sofia, producteurs venus d'Europe et d'autres parties du monde. Je remercie tout particulièrement Yves Jeanneau d'avoir accepté notre proposition, ainsi que Stefan Kitanov de nous accueillir pendant le SOFIA FILM FEST. Nous ne ferons ni un panorama complet de la production locale, ni un historique de ces films. J'ai demandé aux participants de cette édition, producteurs, réalisateurs et diffuseurs, de choisir quelques films d'auteurs originaux, représentatifs d'un courant qui se démarque de la production académique et classique dominante.
Ce « nouveau courant » ne tient pas seulement à un changement de génération. Par le passé déjà, certains cinéastes se sont distingués comme des artistes originaux, modernes, pensant autrement : je pense à Vasil Zhivkov, Kostadin Bonev, Ivan Mladenov et, plus récemment, à Eldora Traykova et Adela Peeva. Aujourd'hui, des artistes ont relancé ce courant d'œuvres originales : Andrey Paounov, Stefan Komandarev et Boris Despodov ont été remarqués et primés dans les plus grands festivals internationaux.
La libération de la Bulgarie, au sens le plus large, économique, politique ou culturel, accélérera sans aucun doute l'éclosion de nouveaux talents, enfants du génie national. Car ce mouvement est déjà une réalité, ici comme ailleurs. Les artistes bulgares que je viens de citer ne trouvent pas sur place les moyens de produire, de distribuer et de montrer leurs films, ni le soutien d'une critique éclairée, indispensable à l'émergence et à la durée des artistes d'avant-garde ; ils souffrent d'un manque de volonté politique et d'une attitude des institutions peu favorable à la culture. Pourtant, avec quelques artistes à venir, ils trouvent et trouveront sans aucun doute des alliés, des partenaires, des critiques, des producteurs, des diffuseurs, un public international « hors les murs », c'est-à-dire au-delà des frontières de la Bulgarie. Et ce mouvement ne cessera de grandir.
Les révolutions des technologies numériques, et les moyens de production plus simples et plus accessibles qui les accompagnent, transforment le travail et l'écriture des cinéastes, comme le champ des expériences artistiques. La tendance va vers plus de liberté et moins de contraintes. Il devient ainsi facile d'échapper à la lourdeur des procédés de production trop classiques et d'accélérer l'enrichissement des œuvres. Internet, l'énergie créatrice des producteurs, la coopération internationale et la diversité des sources de financement permettent aujourd'hui de produire, de montrer et de diffuser des films sans se plier à l'arbitraire, aux goûts et aux limites nationales.
Classe Libre n° 15
La Nouvelle Vague
Sofia, 13 et 14 juin 2009, au cinéma Odéon.
Avec Alain Bergala, Charles Bitsch, Kamen Kalev et Lorie Baghdassarian. Modération : Charles Tesson. Invités d'honneur : Maïa Dimitrova et Stéphane Tafrov.
Édito de Patrick Sandrin
Le cinéma est un Art, un dispositif optique et un regard critique qui nous permet de mieux y voir, de montrer et de transmettre autrement les nouvelles du monde ; contrepoint singulier à l'envahissement par l'image et les messages de la communication publicitaire et politique. C'est cet Art que nos CLASSES LIBRES exposent et développent, ainsi que les liens qui se tissent au cinéma entre le réel, le regard des auteurs et ce qu'il convoque : un ensemble de disciplines qui font son alchimie, sa magie et son génie. « NOUVELLE VAGUE » est emblématique de ce chantier permanent qui nous anime : saisir l'effervescence de l'aventure intellectuelle et artistique que nous montrons, développer ces enjeux avec le temps et l'histoire, en découvrir le sens, s'accorder ou s'imprégner de l'âme du cinéma pour en admirer ce que nous n'aurions pu voir et qui gît là, « dans la mort au travail », pour paraphraser J.-L. Godard.
J'ai demandé à Alain Bergala, Charles Bitsch et Charles Tesson de nous livrer, au-delà de leur connaissance des films, des cinéastes et de leurs singularités esthétiques, ce qui a constitué « LA NOUVELLE VAGUE » et relié ces personnalités. Cette « vague » de cinéphiles, capable de voir, puis d'exposer brillamment ce qui fait d'un cinéaste un auteur, et ce qui fait d'un film une œuvre. Cette « Vague » a rayonné sur le monde du cinéma, sur le monde de l'art en général ; elle a surtout amené une réflexion, une énergie, un regard critique, une dissidence esthétique. Henri Matisse, dans son œuvre critique, écrivait « les tableaux naissent des tableaux » ; chez Godard et la Nouvelle Vague, le cinéma naît du cinéma. Nos intervenants nous livreront leur regard et leurs réflexions sur le moment historique qui la fonde, ses influences, sa filiation, ses complicités électives, la révolution syntaxique qu'elle a produite, et ce pourquoi elle fut et reste toujours le dernier grand mouvement collectif que le cinéma ait produit.
Avec la NOUVELLE VAGUE, comment ne pas évoquer les CAHIERS DU CINÉMA, qui ont relié et réuni ces jeunes gens, critiques et visionnaires avant de devenir eux-mêmes cinéastes et auteurs, et comment ne pas citer quelques-unes des figures les plus emblématiques, d'André Bazin, l'un de ses fondateurs, à Serge Daney, garant de l'esprit des Cahiers ? Dans cette revue, il était avant tout question de hauteur de point de vue, de cinéphilie, de résistance au marché, de réflexion et de curiosité pour la diversité et l'aventure humaine, de sens, d'éthique et de discours amoureux.
La constante ouverture aux cinémas du monde, la défense d'une politique des auteurs fonda la revue, fit sa singularité, son prestige et son rayonnement international. Je rappelle que Charles Tesson et Alain Bergala, présents pour cette 15e édition de la CLASSE LIBRE, ont été l'un et l'autre rédacteurs en chef des Cahiers du cinéma, et Charles Bitsch, l'un des artisans, compagnon et grand témoin de ce mouvement de contestation politique et esthétique.
Édito de Charles Tesson
Il y a eu l'Expressionnisme (allemand), le Néo-réalisme (italien) et la Nouvelle Vague (française). Et depuis, aucun mouvement comparable, d'une telle ampleur, de par le monde. Pourquoi ? Pour la simple raison que la Nouvelle Vague et le néo-réalisme italien sont toujours vivants, qu'ils continuent de faire école et demeurent, en 2009, à la fois un modèle et une référence pour un jeune cinéaste aujourd'hui. La Nouvelle Vague, dans le sillage du néo-réalisme, d'une façon complémentaire et totalement différente aussi (les jeunes critiques des Cahiers du cinéma avaient une grande admiration pour Rossellini, leur compagnon de route avec Jean Renoir), a accompli l'essentiel : faire du cinéma autrement, ouvrir de nouveaux possibles.
Ces nouvelles voies ne sont toujours pas refermées et le cinéma continue d'en vivre. Il a donc suffi qu'une génération de cinéastes-cinéphiles, critiques de cinéma (Godard, Truffaut, Rohmer, Chabrol, Rivette), estiment qu'on peut apprendre le cinéma en voyant des films, pour que tout change, et pour que leur regard, fruit de leurs goûts et de leurs choix esthétiques (Renoir, Rossellini, Hitchcock, Bresson, Dreyer, Mizoguchi), transforme le cinéma et la manière d'en faire. Comment cela s'est-il passé ? Comment cela est-il devenu possible ? Pourquoi la Nouvelle Vague continue-t-elle encore de résonner dans tous les esprits ? En compagnie d'Alain Bergala, spécialiste notamment de Rossellini et de Godard, et de Charles Bitsch, membre actif, en tant que chef opérateur et assistant, des débuts de la Nouvelle Vague, pour avoir collaboré avec Rivette, Chabrol et Rohmer, nous évoquerons de l'intérieur cette riche aventure ainsi que ses conséquences sur l'histoire du cinéma mondial.
Classe Libre n° 16
Le film noir
Sofia, 31 octobre et 1er novembre 2009, au Grand Hôtel Sofia.
Avec Noël Simsolo. Modération : Charles Tesson. Invité d'honneur : Alexandre Kiossev.
Édito de Patrick Sandrin
J'ai demandé à Charles Tesson et à Noël Simsolo d'imaginer une CLASSE LIBRE sur le thème du film noir, car en Bulgarie, il y a peu de temps, Zift, premier film de Javor Gardev, fut un immense succès, couronné par des sélections et des prix de festivals internationaux. Il était donc intéressant de voir quels cinéastes aujourd'hui, avant et ailleurs, sont les maîtres du genre. De voir à quoi ce cinéma fait référence, quelles sont ses sources et ses influences, et si aujourd'hui, au-delà des styles, l'attitude ou la mouvance subsistent, pour paraphraser Noël Simsolo. LES CLASSES LIBRES sont ces moments privilégiés où la mémoire croise le présent et son actualité, ce qui fonde une culture.
Édito de Charles Tesson
Le film noir est une invention française. Au sens où de jeunes cinéphiles et critiques redécouvrirent sur les écrans, après la Seconde Guerre mondiale, des films américains dont ils avaient été privés pendant plusieurs années. Ainsi que le rappellent Raymond Borde et Étienne Chaumeton dans le premier ouvrage paru sur ce genre nouveau (Panorama du film noir américain, 1941-1953, Éditions de Minuit, 1955), c'est en été 1946 qu'on a pu découvrir coup sur coup Le Faucon maltais de John Huston, Laura d'Otto Preminger, Adieu ma belle d'Edward Dmytryk, Assurance sur la mort de Billy Wilder et La Femme au portrait de Fritz Lang. Dans leur ouvrage, le film noir est qualifié « d'onirique, d'insolite, d'érotique, d'ambivalent et de cruel ».
Né à l'ombre du film policier, le film noir s'est développé au-delà de ses frontières sans l'oublier totalement. Si la politique des auteurs, née au milieu des années 50, est une autre « invention » française, du côté des Cahiers du cinéma, on oublie combien la génération des cinéphiles d'après-guerre a aimé le cinéma de genre. Car le film noir est inséparable de ses acteurs (Humphrey Bogart, Richard Widmark, etc.), de ses « femmes fatales », de ses chefs opérateurs, maîtres du noir et blanc, virtuoses de la lumière, de ses nombreux écrivains aussi. Car, beau paradoxe, le film noir est peut-être le plus littéraire des genres cinématographiques (il est impensable sans lui, entretient avec le roman des liens très étroits) et en même temps un genre cinématographique à part entière, apportant à cet univers littéraire, à partir de ses figures, de son atmosphère, une qualité unique, proprement cinématographique.
En compagnie de Noël Simsolo, auteur d'un ouvrage somme et de référence sur la question (Le Film noir, Éditions des Cahiers du cinéma, 2005), paru cinquante ans après le premier livre sur ce genre, auteur de nombreux romans policiers, il sera bien sûr question de tout cela et d'autre chose aussi : à quoi peut ressembler un film noir aujourd'hui et de quoi serait-il fait ?
Classe Libre n° 17
Le monde du son
Sofia, 20 et 21 février 2010, au théâtre Alma Alter de l'université de Sofia.
Avec Daniel Deshays, Silvain Gire, Marc Jacquin et Mitko Novkov. Modération : François Caillat.
Édito de Patrick Sandrin
J'ai été, je suis, et je resterai un auditeur, un homme dont l'addiction à la radio se révèle au quotidien. Je suis capable de faire des kilomètres en voiture sans destination précise, en écoutant des voix qui dialoguent, commentent, pensent, analysent et gravent in fine une musique, une idée, leur singularité. Elles me font voyager au propre comme au figuré. L'espace sonore que j'évoque, ce sont les ondes, la radio, mais aussi les voix gravées d'Auteurs ou de poètes, quels que soient leurs disciplines et leurs champs d'intervention. L'âme de ces voix éclaire l'espace et réfléchit ce mouvement incessant et salutaire de la pensée. Ces voix ont aussi une couleur, un timbre qui trahit et transmet de l'émotion, de l'énergie, leur fragilité et leur intelligence. Ce monde moderne où nous sommes est envahi par le son qui argumente, communique, invective, vend, endort, ordonne, pollue, agresse, un espace sonore ordinaire qu'il faut transgresser.
J'ai été particulièrement sensible à ce phénomène qui, au début des années 80, a vu les ondes éclater en France et se multiplier, se libérer, s'émanciper, pour devenir des espaces sonores de création, de récréation, de provocation, alors qu'elles étaient un outil d'information, « la voix de son maître », et de culture plus ou moins académique. Puis je me suis interrogé sur la question du son au cinéma, et l'utilisation singulière qu'en faisaient certains auteurs pour s'évader de la tapisserie illustrative ou naturaliste ; je me suis intéressé à ceux qui utilisaient le son comme un art, une ressource créative et dramaturgique. Voilà, en deux mots, une partie du champ que nous allons investir pendant cette CLASSE LIBRE. Et je remercie ces libres penseurs, historiens, critiques, créateurs et diffuseurs, dont ARTE Radio – qui n'est plus à présenter – et PHONURGIA NOVA – l'un des plus grands, sinon le plus grand festival international de création radiophonique –, de venir nous rejoindre pour ce rendez-vous.
Ce forum mêlera des écoutes de documents sonores, des projections d'extraits de films, et nos discussions et débats porteront sur l'esthétique, la création, mais aussi sur nos interrogations de citoyens libres et curieux des contenus, comme de leur indépendance. Je remercie, au nom de la Fondation culture et développement et de toute notre équipe, Tania et Olivier Rappo, qui nous ont rejoints au sein des CLASSES LIBRES.
Édito de Charles Tesson
Bienvenue dans l'univers du son : le son du cinéma, le son à la radio, le son qui nous entoure dans tous les instants de la vie courante. Qu'y a-t-il de plus présent que le son ? Nous pouvons fermer les yeux ou détourner le regard, mais nous ne pouvons pas échapper au son. Il ne s'arrête jamais, il est de tous côtés, il nous parle du monde, il construit notre monde. Voilà pourquoi nous évoquerons largement cet univers : à travers des films, avec des émissions radiophoniques, dans les mille occasions où chacun de nous écoute, entend, prend du plaisir et de l'intérêt à cette fréquentation.
« Écrire sonore », par Daniel Deshays
Le point de vue ne peut plus être considéré comme mémoire de l'instant. Ce qui est spécifique du temps du son, c'est qu'il soit ramené à un objet qui se redonne au présent, un présent à vivre, voire à revivre. Plus encore qu'un objet courant toujours devant nous, ce temps se présente dans des liens de mémoire qui s'établissent dans la durée d'une écoute individualisée. C'est cette capacité d'établir un lien de dépendance avec la mémoire de chacun qui est l'une des véritables forces du sonore. Elle s'augmente de la prise au corps de l'auditeur née de l'appréhension des événements qui peuvent à tout instant surgir. Ce n'est pas tant le sens d'un discours qui nous prend. Il n'y a dans le son nulle rhétorique, même si des successions d'événements sonores produisent une énonciation. C'est par la sensation que nous sommes pris dans le moment de l'épreuve.
Classe Libre n° 18
L'Inde et son cinéma
Sofia, 29 et 30 mai 2010, au Théâtre national Ivan Vazov.
Avec Jean-Claude Carrière, Marc Ballanfat et Maria-Kiran. Modération : Charles Tesson. Présidente d'honneur : Yordanka Fandakova, maire de Sofia, en présence de Son Excellence M. Shri Divyabh Manchanda, ambassadeur de l'Inde en Bulgarie.
Édito de Patrick Sandrin
Satyajit Ray est l'un de mes auteurs préférés, Le Salon de musique, un chef-d'œuvre, Huzur Biswambhar Roy, le personnage héroïque de cette fiction, et l'Inde, le premier producteur de films au monde. Ce pays à l'exotisme fascinant possède une richesse culturelle parmi les plus exaltantes, et la diversité de son cinéma en rend compte. Pour le montrer et en parler, j'ai invité Charles Tesson, l'un des grands spécialistes du cinéma indien, Jean-Claude Carrière, conteur d'exception, scénariste, dramaturge, entre autres du Mahabharata mis en scène par Peter Brook, Marc Ballanfat, docteur en histoire des religions, agrégé de philosophie, et Maria-Kiran, artiste et danseuse, qui viendra rythmer ces deux journées de cinéma avec son art chorégraphique. Voici quelques bonnes raisons pour faire de cette CLASSE LIBRE un grand rendez-vous.
Permettez-moi quelques mots sur Le Salon de musique et son personnage principal, dont le combat m'a toujours touché par son caractère intemporel. La rencontre du destin avec certains moments de l'histoire peut faire naître des héros. Et leur grandeur s'évalue aux adversaires qu'ils se choisissent, pour des combats d'idées mais aussi pour des questions d'honneur. Huzur Biswambhar Roy est l'un de ceux-là, un personnage héroïque, tragique et romanesque. Le Salon de musique est une fable, un conte, une métaphore. Ce film met en scène la réponse romantique d'un homme de traditions envers un nouveau monde, celui de nouveaux riches, velléitaires, arrogants, qui arrivent sans égard, violemment, par la puissance de leur argent. Huzur Biswambhar Roy signe là un dernier combat pour son art de vivre ; il aura la singulière beauté d'un geste désespéré, un acte à la dramaturgie d'un autre temps, qui, dans ses dimensions esthétique, philosophique et spirituelle, s'oppose à ces gens qu'il déteste pour leur vulgarité d'iconoclastes, une dernière leçon de style. Satyajit Ray met en scène de façon magistrale et musicale un monde qui se décompose et s'évanouit, dans sa confrontation à un autre, hérétique et profane, qui tente de lui succéder. Ce voyage au centre d'une Inde mystique, intemporelle et traditionnelle, dans son rapport dialectique avec la modernité, est une métaphore d'actualité.
Nous vous proposons de venir voir le cinéma indien dans sa diversité ; nous montrerons et parlerons du phénomène « Bollywood », ce qui nous permettra de découvrir cette Inde multiple, sa pluralité ethnique, ses philosophies, ses religions, sa richesse culturelle, son histoire et sa modernité, mais aussi ses paradoxes. Qui est-elle ? Nous le verrons en cinéma. Je remercie Madame Yordanka Fandakova, maire de Sofia, de nous faire l'honneur de présider cette CLASSE LIBRE, et Pavel Vassev, directeur du Théâtre national Ivan Vazov, de nous accueillir.
Troud, 31 mai 2010 : « Comment se fait une grande carrière au cinéma »
2011
Sofia, avec Le Fresnoy · classes 19 et 20, deux expositions
Classe Libre n° 19
Regards numériques sur l'art contemporain
Sofia, 19 et 20 février 2011, au théâtre Alma Alter de l'université de Sofia.
Avec Éric Prigent et Guillaume Désanges, et la participation exceptionnelle de Georges Didi-Huberman. Modération : Dominique Païni. Présidente d'honneur : Jana Damianova.
Édito de Patrick Sandrin
Les révolutions technologiques entraînent les évolutions des pratiques artistiques. Dans ces chantiers permanents, les artistes dialoguent avec leur temps dans l'expérimentation souvent ludique des techniques contemporaines. Leur potentiel permet dans une même œuvre une confrontation et un dialogue entre les différentes disciplines artistiques. Pour en rendre compte, le montrer et en débattre, j'ai pensé réunir à Sofia deux scènes particulièrement intéressantes et créatives, représentatives de la création contemporaine. L'une est la Belgique, nation atypique, dont la richesse et le génie singulier s'inscrivent dans la diversité et la complexité de ses composantes, métaphore d'un monde de ruptures et d'effervescences. Cette nation est emblématique des enjeux contemporains et ses nombreux créateurs sont et ont été de tout temps à la pointe des expressions artistiques.
L'autre scène est Le Fresnoy : inspirée du Bauhaus, cette école, ou plutôt ce studio des arts contemporains, résonne et rayonne de façon internationale. Depuis plus de 10 ans, Le Fresnoy est l'une des places où se produit et s'exprime la création contemporaine, très largement ouverte sur le monde et sa diversité, à l'image de son créateur et directeur Alain Fleischer. Ce lieu de productions artistiques de très haut niveau, où des expositions internationales remarquables viennent de se produire, est au centre des enjeux de notre modernité. Les nouvelles technologies et les croisements interdisciplinaires qu'elles favorisent singularisent ses créations. Au Fresnoy se côtoient des pensionnaires, jeunes artistes venus du monde entier, et les artistes invités, personnalités de réputation internationale. Rien d'inintelligible, de soporifique ou de rébarbatif, dans l'exposition qui viendra s'installer au printemps prochain au centre de Sofia. Bien au contraire, la direction du Fresnoy, avec un panorama des travaux réalisés par ses artistes pensionnaires, et Dominique Païni, commissaire de l'exposition ABC – Art belge contemporain, nous proposeront une revue d'œuvres ludiques, provocatrices, souvent burlesques et toujours très créatives.
Merci à eux de nous offrir ce spectacle et ce plaisir, de venir nous en parler, accompagnés d'artistes et de personnalités. Cette exposition sera l'occasion d'échanger, de partager, de créer des liens avec les institutions locales, écoles d'art, universités, ainsi qu'avec les jeunes créateurs, plasticiens, cinéastes, vidéastes, et autres artistes bulgares. Merci à l'Institut français de nous rejoindre dans cette aventure, merci à nos partenaires, Société générale, Technopolis, Tania et Olivier Rappo, dont le concours est essentiel.
Presse bulgare, février 2011 : « Georges Didi-Huberman vient à la Classe Libre »
Classe Libre n° 20
Commissaire d'exposition, un métier, un art, une passion
Sofia, 3 mai 2011, à l'Académie nationale des beaux-arts.
Avec Dominique Païni.
Édito de Patrick Sandrin
Depuis une vingtaine d'années, après l'expérience du commissaire d'exposition Harald Szeemann au sein de la documenta en Allemagne, le rôle du commissaire d'exposition n'a pas cessé de croître au sein de l'art contemporain. Jusqu'à ce que celui-ci vole parfois la vedette aux artistes eux-mêmes. La conception d'une exposition, le choix des œuvres et la scénographie forment une véritable activité comparable à celle d'un artiste, d'un critique ou d'un auteur, au sens littéraire du terme. Jadis, le « commissaire d'exposition » était une activité attachée aux fonctions de « conservateur ».
Aujourd'hui, les commissaires d'exposition ne sont plus forcément des conservateurs, ni des historiens de l'art. On peut même avancer qu'un commissaire ne renonce pas à l'ambition poétique. Le commissaire d'exposition est par ailleurs un métier avec ses règles et ses techniques. Il n'est pas indifférent qu'il soit bon gestionnaire également. Occuper un espace et installer des œuvres empruntant à des disciplines artistiques différentes (peinture, sculpture, photographie, vidéo…) exigent la rigueur à la fois d'un architecte et d'un comptable.
Qu'en est-il aujourd'hui de ce métier en plein essor ? Quelles sont ses exigences ? Quelles contradictions ce métier rencontre-t-il ?
Des informations et des images à l'appui viendront apporter quelques commentaires à ces questions. J'ai demandé à Dominique Païni de venir animer cette discussion.
Regards numériques sur l'art contemporain · Exposition 1
Le Fresnoy
Édito de Patrick Sandrin
J'ai créé la Fondation Patrick Sandrin pour répondre à des nécessités de réflexions et d'échanges culturels, et pour le plaisir qu'ils procurent, convaincu qu'ils sont les liens indispensables au développement et à l'épanouissement de nos démocraties. La constante évolution des pratiques et des techniques artistiques, « les révolutions » qu'elles entraînent, sont productives d'œuvres d'art de leur époque. « L'Histoire », sociale et politique, vient s'y refléter de multiples façons. Dans ces chantiers permanents, les artistes dialoguent avec leur temps et s'expriment dans l'expérience ludique de l'utilisation des matériaux et des techniques contemporaines. Leurs potentiels technologiques permettent aujourd'hui une libre circulation des différentes disciplines artistiques dans une même œuvre.
Pour en rendre compte, le montrer et en débattre, j'ai pensé réunir à Sofia deux scènes particulièrement intéressantes et créatives, représentatives de la création contemporaine. L'une est la Belgique, nation atypique, dont la richesse et le génie singulier s'inscrivent dans la diversité et la complexité de ses composantes, métaphore d'un monde de ruptures et d'effervescences. Cette nation est emblématique des enjeux contemporains, et ses nombreux créateurs sont et ont été de tout temps à la pointe des expressions artistiques. L'autre scène est Le Fresnoy : inspirée du Bauhaus, cette école, ou plutôt ce studio des arts contemporains, résonne et rayonne de façon internationale. Depuis plus de 10 ans, Le Fresnoy est l'une des places où se produit et s'exprime la création contemporaine, très largement ouverte sur le monde et sa diversité, à l'image de son créateur et directeur Alain Fleischer. Ce lieu de productions artistiques de très haut niveau, où des expositions internationales remarquables se produisent, est au centre des enjeux de notre modernité. Les nouvelles technologies et les croisements interdisciplinaires qu'elles favorisent singularisent ses créations.
Rien d'inintelligible, de soporifique ou de rébarbatif, dans l'exposition qui viendra s'installer au printemps prochain au centre de Sofia. Bien au contraire, la direction du Fresnoy, avec un panorama des travaux réalisés par ses artistes pensionnaires, et Dominique Païni, commissaire de l'exposition ABC – Art belge contemporain, nous proposeront une revue d'œuvres ludiques, provocatrices, souvent burlesques et toujours très créatives. Une scène contemporaine où l'expression artistique s'épanouit dans un jeu de formes, de couleurs, de corps et d'idées avec quelques purs moments de comédie. Cette exposition sera l'occasion d'échanger, de partager, de créer des liens avec les institutions locales, écoles d'art, universités, ainsi qu'avec les jeunes créateurs, plasticiens, cinéastes, vidéastes, et autres artistes bulgares venus des arts de la scène, disciplines largement impliquées dans ces champs d'expressions contemporains. ABC – Art belge contemporain est une exposition conçue et produite par Le Fresnoy (commissaire : Dominique Païni, assisté de Pascale Pronnier), dont la première a eu lieu au Fresnoy le 8 octobre 2010. La Fondation Patrick Sandrin reprendra une partie des œuvres de cette exposition et l'associera à un panorama d'œuvres produites par le Studio national des arts contemporains, à la galerie de la ville de Sofia et à l'Académie nationale des beaux-arts.
« Bien que Le Fresnoy ne soit pas une école de cinéma – en cela très éloigné des méthodes et des objectifs de la Fémis –, le cinéma n'en demeure pas moins la référence fondamentale, une origine comparable à ce que fut longtemps par le passé l'architecture pour les beaux-arts. Le cinéma est un continent aux frontières devenues floues, à la mesure de l'élargissement de son influence, avec des voisins relativement récents : la photographie plasticienne, l'art vidéo, la création numérique, la performance, autant de disciplines que croise Le Fresnoy. »
Dominique Païni
Regards numériques sur l'art contemporain · Exposition 2
ABC – Art belge contemporain
Édito de Dominique Païni
En accueillant et en concevant deux expositions dont l'enjeu commun fut, au fond, l'évolution spectaculaire que connaissent les arts visuels avec la technologie numérique, la Fondation Patrick Sandrin a rempli idéalement ses deux vocations : transmettre la connaissance contemporaine et animer en Bulgarie un espace d'échange et d'expérimentation. Ce fut l'occasion que se rencontrent et coopèrent des institutions officielles belges, françaises et bulgares. Coopération si difficile à mettre en œuvre en général, mais que la légèreté administrative et l'inventivité dynamique de la Fondation ont permise. L'exception réside ici dans l'articulation de ces expositions avec des séminaires bien nommés « classes libres », originales propositions imaginées par Patrick Sandrin, pour favoriser la rencontre d'intellectuels spécialistes de la production des images contemporaines avec un public le plus large possible. C'est à Sofia, une des pointes avancées de l'Est européen, que cette aventure se déploie, et à l'égard de laquelle les instances européennes n'ont manifesté à ce jour que de l'indifférence. La Fondation Patrick Sandrin joue ainsi un rôle essentiel dans la nécessaire union européenne. On ne dira jamais assez aujourd'hui, en un temps de crise aigüe, le caractère décisif de la culture pour l'amitié et la paix au sein d'un continent fait d'une telle diversité.
« Je me réjouis que la Fondation Patrick Sandrin à Sofia ait pu accueillir notre exposition temporaire consacrée à l'art belge contemporain, ainsi que des œuvres de jeunes artistes issus du Fresnoy, et qu'un large public d'Europe orientale ait pu bénéficier du dialogue entre artistes bulgares et artistes de tous les pays que nous accueillons. J'ai eu d'excellents échos sur la qualité des conditions de l'événement lui-même et de la communication pour le faire connaître. Bien entendu, je serais ravi que se présentent de nouvelles occasions de collaboration et que nous puissions, grâce à la Fondation, maintenir les relations entre le Studio national et la scène artistique bulgare. Je remercie Patrick pour son engagement dans cette collaboration. »
Alain Fleischer, fondateur et directeur du Fresnoy
Autour de Patrick Sandrin
Quelques courts films à propos de Patrick Sandrin
